如今的荔枝广场，每到周五就热闹非凡，从下午的红毯上班直播到晚上的打歌舞台，台内外人头攒动，声浪不断。当录制的信号灯一亮，舞台与观众的距离被瞬间打通，气氛立刻达到顶点——这就是江苏卫视全新节目《打歌2025》的魅力。

节目规则很简单：没有滤镜，没有后期修饰，所有表演都通过直播同步送达观众。歌手的呼吸、情绪起伏，甚至一两次不小心的失误，都会毫无遮掩地被捕捉。

节目首期，歌手蔡依林在唱完《PLEASURE》后笑着说：“Live就是会有小插曲，但也会有无可替代的惊喜。”在她看来，舞台上出现的瑕疵，恰好是这档直播节目的魅力所在。

对节目团队而言，这样的“不设防”是一次技术耐力赛：多机位信号传输必须无缝切换，后台与主舞台的衔接不能出半点差错，还要随时应对各种突发状况。相比录播，直播的不确定性更像是一把双刃剑——它可能让舞台出现瑕疵，但也正是这些不可预测的瞬间，让观众记住了这一刻。

在当下的新歌推广环境里，这样的舞台是奢侈的。它要求歌手有足够的创作力和现场掌控力，也要求团队有应变能力。节目选择用这种方式开门见山，多少带着点“不怕摔跤”的勇气。

当“打歌”拥有多元表达

《打歌2025》有一条硬规则——只能唱新歌。不是改编老歌，不是翻唱爆款，而是真正的全新创作。这意味着，歌手站在舞台上时，既没有情怀滤镜，也没有历史热度可借，观众对他们的作品是第一次听，也是第一次判断。

在这种“零起点”的环境里，新歌首唱就变得尤其重要。第二期节目，刘端端带来新单曲《不如不见》，让无数观众看到一名演员敢于跨界的勇气。上周播出的第四期节目，更是一口气汇聚了两首首发新作：吴垚滔的《芸芸》则用快节奏的说唱与犀利的歌词推进，直面社会现象；陈立农的《完美猎人》通过高难度的音域跨度，展现其日渐精进的唱功。这种在节目首唱新作的机会，对歌手来说既是高光时刻，也是一次实力验证。

而在“首唱新作”之外，舞台的风格依旧多元。阿云嘎的《知己》，像一出浓缩的音乐剧；龚琳娜的新作《问西湖》，用元曲戏腔和细腻身段，把舞台变成了一幅流动的水墨画；王赫野用《手心海》将感情里的拉扯表现得淋漓尽致，轻轻拉近了与观众的距离；陈卓璇的《深海之息》以灵动婉转的声线打动全场……这四首作品不仅赢得了观众与评审的双重认可，也同时拿下了当期的“最能打歌曲”——节目对当晚综合表现的最高肯定，评选机制结合了大众投票与专业评审，既反映现场热度，也看重音乐完成度。

不难看出，老将与新人的同台竞技，让《打歌2025》呈现出一个罕见的、多层次的华语音乐切面——既有舞台经验的沉稳表达，也有新鲜创作的生命力。

节目的“双轨评审”机制，也为这些新歌提供了一个相对公平的评估方式：100位大众听审代表市场反应，10位专业评审关注艺术价值。观众投票与专业评分叠加，既保留了现场的热度，也给创作者提供了相对全面的反馈。略显遗憾的是，高密度的新作首发和舞台信息量，可能会让部分观众需要更多时间去消化这些全新的旋律。

拉长一首歌的生命周期

在短视频和算法推荐占据主导的时代，很多新歌的热度生命周期可能只有几天。《打歌2025》试图拉长这个时间轴。

直播前一周，ai荔枝和腾讯音乐娱乐集团（TME）就会启动预热活动；直播当天，观众可以通过ai荔枝、TME平台参与投票、助力专区；播出后，Live音频和剪辑片段会迅速上线，继续在平台上扩散。整个流程像是一条闭环，把观众的参与、反馈和节奏嵌进了节目的生命线里。

平台合作也不限于江苏卫视和ai荔枝。爱奇艺、TME、抖音、B站等都在链路中。这样的多平台协同，不仅让节目覆盖更精准的音乐用户，还形成了一个立体化、可持续的传播生态——舞台不再只属于直播那一晚，而是在不同平台继续发酵。

在信息流的茧房效应下，这种多屏延展是一种必要的“破圈”手段。它给了新歌更多被看见的机会，也让观众在不同场景中与作品再次相遇。

真舞台与真互动的“互相拉扯”

前段时间，一则关于《打歌2025》的录制暖场视频在互联网走红。“小红书不够，微博不够，抖音不够，朋友圈更不够，全部都要发。你有多少媒体（平台），你就全部发一遍（现场直拍）。”节目导演十分激动地对台下的观众说。在不少网友看来，这样的互动很陌生，但也接地气，“我感觉导演比台下的粉丝更兴奋”，网友如此评价道。

《打歌2025》的野心很明显：用真实的舞台和持续的互动，让新歌获得稳定曝光。真实意味着冒险。直播的不确定性可能让节奏变得紧张、细节不够完美；互动的复杂链路则对制作和运营提出更高要求——任何一个环节的断层，都可能影响观众的参与感。

但这两者也正是节目的看点所在。舞台的即时性让作品拥有不可替代的记忆点，多平台协同则让这些记忆不至于过早消散。对于习惯了精修录播的观众来说，这种真实感一开始可能不够“顺眼”，但看得多了，就会发现它有一种久违的现场冲击力。

从多个维度看，《打歌2025》无疑在做一次有风险的尝试。首先节目坚持直播，把音乐的即时性还给舞台；其次，要求歌手们只能唱新歌，摈弃掉耳熟能详的金曲后，把焦点拉回作品本身；再次，通过跨屏互动延长作品生命周期，让舞台和观众形成更多触点。

但这条路并不轻松。直播的不确定性会让部分观众对“现场感”与“精致度”产生拉扯感；新歌密度高意味着缺少耳熟能详的情绪冲击，对观众注意力是考验；跨平台协同虽然延长了传播，但对团队的内容运营、资源调度都是高要求。

好在，《打歌2025》并没有把自己做成一场单纯的流量秀。它不依赖怀旧热曲，也不靠剧本化冲突制造话题，而是用舞台与作品对话，用数据与反馈回馈创作。对于华语音乐，这样的节目不仅是一个播放平台，更是一个音乐生态的“实验场”。

如果这种模式能稳定运作，《打歌2025》有潜力成为华语音乐每周的新歌曝光窗口。它可以为歌手提供持续的舞台机会，让作品在跨屏、多平台的传播中找到固定观众，也能培养观众的观看习惯——“每周五，去听点新歌吧”。

转自：国家广电智库